銀鹽是什麼？有學生曾經問我，銀鹽和數位的區別在哪裡？我常拿食物做比喻。如果數位影像是超市櫃子裡的冷凍豆腐，銀鹽相片就是老師傅調製的手工豆腐，後者散發出來的溫度與氣味，它的內蘊、質感與外貌都很不一樣。數位一如微波爐裡取出的調理包，銀鹽是炭燒爐灶中慢火煮燉的料理，一個是經過一道道手續手工完成的原作，另一個是生產線上的格式化拷貝，如此而已。

當然，有人會說內容才是最重要的，但談到攝影，到底內容取決於形式，或是形式應依歸內容？多年來人云亦云，爭論不休。數位的發明，在傳播與運用的功能上當然快速便利、無遠弗屆，但回到藝術與人文層面，傳統攝影所散發的人性度、品質感、樸實味，更值得細細咀嚼回味，是同質化的數位影像所缺乏的。

這就是「銀鹽世代──尋找歲月靈光」展覽的基本精神與目的，在台灣不同世代攝影家的銀鹽作品中，我們試圖尋找這些舊痕新跡，再現塵封許久的歲月靈光。

在尋訪過程中，我們慶幸得到許多攝影家和他們家屬的應允合作，到他們居處挑選照片，也獲准美術館典藏部門慨允提供作品。記得在淡水李鳴鵰先生的貯藏室中，秘書幫我們翻箱倒櫃找到許多陳年舊作，我們看到120底片印樣用橡皮圈綁在一起，或成群列冊放在餅乾盒中，40年代的灰黃塵跡閃現着金銀般的時代光華。在基隆尋找鄭桑溪老師作品時，他的家人從層層疊疊框架中進出，最後打開幾盒黑紙包時，看見他60年代「現代攝影雙人展」與「港都舊情」兩個系列的原作赫然出現在面前，心中一驚，小心舉起照片時，發覺兩手是颤抖的。當我們從各個貯藏室、橱櫃、角落間翻到這些淡忘多年的時代留影：吳金淼的〈伯公山青年〉（1930s）、張才的〈永遠的歸宿〉（1940s）、鄧南光的〈公背婆〉（1960s）、黃則修的〈龍山寺誦經〉（1950s）、楊基炘的〈溜鳥〉、徐清波的〈常客〉（1950s）、謝震隆的〈凝視〉（1960s）、黃伯驥的〈漁夫〉（1960s）、陳石岸的〈散步〉（1950s）、邱德雲的《鄉土系列》（1950-60s）等舊作，它們一一還原了半世紀前的台灣容貌，那些生活、信仰、作息、勞動的再度顯影，心中真有無限感動與感概。

70年代的台灣寫實攝影，王信、梁正居、謝春德在展覽中代表出列。梁正居的《臺灣行腳》黑白系列，廣泛地記錄了社會各階層角落的點滴，平實中帶著內省凝視。謝春德的《家園》系列，以極個人的詭異、沉鬱色調，在當年的彩色攝影領域中獨創一局。王信的《澎湖風土記》與張詠捷的《海島的呼喚》系列拍攝的是同一個島嶼，只是差了一個世代，型式也不同。前者的冷峻與靜觀與後者的溫暖又疏離，形成個己特色，兩位女攝影家的這種「象徵寫實」功力，不容小覷。

80至90年代，報導攝影結合報導文學的意念與方法逐漸伸入社會各階層，從何經泰的《都市底層》、劉振祥的《解嚴前後》、陳敬寶的《檳榔西施》到千禧年之後沈昭良的《玉蘭花》系列，都試圖從踏實的田野訪查出發，以更深刻、敏銳的視角去觀察一些長久受忽視的人群與議題，他們的作品寫實中兼具寓意，十分耐看。當談到實驗與美學的觸探，高重黎的《肉身與魂魄》系列（1985）則是當時攝影界的一個異數。他以大膽、乖異的構圖與取景，雕塑出靈肉體魄間的糾結承載，狠重而犀利的手法，也為千禧年前後的的攝影創作者另闢了一條新路。

何謂「攝影」？有人詮釋的極好：「拍一張照片都是在世界上某處，找回一部份自己。」它是「曾經」，是「珍藏下來的一刻」，是「決定的一瞬間」，是「向永恆搶過來的幾秒鐘」，更是「永不再來」。而下面這一段話更是傳神：「每一個影像是一個瞬間，每一個瞬間就像一次呼吸，前一個呼吸不會比後面一次重要，是所有呼吸的連續造成我們的生命。」

就是因為這樣，這些經典的歲月瞬間在歷史長河中被攝影家截留下來，成為我們今天生命的一部份。這些作品提示我們：百年來銀鹽世代的創作精神與理念，在台灣還要傳承下去，繼續往前開展。

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