「塵與時：從宇宙到居所」是由英國策展人、知名影像研究學者大衛．卡帕尼（David Campany）所策劃，展覽從一張曼．雷（Man Ray）所拍攝的神祕灰塵照片出發，探索過去一世紀以來攝影與藝術之間錯綜複雜的關係，並且從人類文明發展與「小至居所、大至宇宙」的空間尺度，思考「塵」的各種隱喻，以及這些隱喻如何在攝影及視覺藝術的表現之中被探討及呈現。

國家攝影文化中心台北館展出的66組作品，以曼．雷這張神祕灰塵照片的一生（或說它的身分之謎）為主軸，廣納20世紀前半段的航空偵測照、新聞照、明信片、前衛藝文刊物，以及二戰後至1960、1970年代西方觀念藝術的影像呈現、繪畫與攝影交互辯證的作品，還有現代戰爭與災後的影像。展覽當中較為近期的作品，則多以當代藝術的觀點與創作方法，詮釋如今更為迫切的人類命題，或直指攝影行為與影像技術的重大轉變。

除了曼．雷和杜象（Marcel Duchamp）兩位藝術史上的大師外，「塵與時」展出多位攝影史上的重要人物與其代表作品，如渥克．艾凡斯（Walker Evans）於美國黑色風暴時期拍攝的中西部乾旱地景、東松照明拍攝核彈爆發後的日本景觀。愛德華．盧歇（Edward Ruscha）和約翰．迪佛拉（John Divola）則是把攝影帶入藝術行為的範疇。蘇菲．希斯黛雨貝（Sophie Ristelhueber）向「灰塵照」致敬的科威特沙漠空照圖，揭示了1990年代後戰爭影像由「現場」轉為其「後果」與「殘跡」的開端。錄像藝術家柯克．帕爾默（Kirk Palmer）與法國名導亞倫．雷奈（Alain Resnais）分別以詩意影像呈現戰後創傷絮語。

展覽也不乏年輕攝影家的近期作品，如哈維爾．里巴斯（Xavier Ribas）、露易絲．奧茲（Louise Oates）探索政治經濟影響下自然與人文地景的變化，或是伊娃．史坦隆（Eva Stenram）模擬灰塵滋生過程所改造的火星地表照片，將微觀與巨觀視角交錯並置之作。

英國知名現代詩人艾略特（T.S. Eliot）在灰塵照曝光的同一年發表其著名的詩作《荒原》，反映第一次世界大戰後現代人的普遍心境，其中一行詩句即為展覽名稱的來源：

「我要在一掬塵土裡讓你看見恐懼。」 （“I will show you fear in a handful of dust.”）

從拍攝的角度來看，曼．雷的照片貌似第一次世界大戰的航空偵測照，最初刊登時的圖說就是「從飛機望出去的視野」，望下去是未知、遙遠，卻暴露在視線之內的一片大地。策展人卡帕尼發現了這之中的關鍵：20世紀漸趨普及的攝影術不僅記錄、也同時預言人類文明的進步與毀滅。於是他提出了一個發人深省的問題：「這張許久之前拍攝的奇怪照片，是否能憑藉它所涉及的一切複雜面向，標示著『現代』的開端？我們又是否能從灰塵的角度拼湊出一段歷史？」

《舉起鏡子迎上他的凝視──臺灣攝影首篇（1869-1949）》以攝影技術史、殖民歷史的觀看關係、現代化進程等角度，探討20世紀中期以前台灣攝影史脈絡。

以鏡子為隱喻，其概念取材自曾到台灣攝影行旅的約翰・湯姆生（John Thomson）在1875年出版的旅記《十載遊記：麻六甲海峽、中南半島與中國》，書中他寫道：「我一直努力跟讀者分享我所經驗的奇遇，但同時我一直小心翼翼的把鏡子舉起，迎上『他』的凝視⋯⋯」。這裡的「鏡子」，隱喻的是攝影，而「他」指的是在西方的讀者們。換言之，湯姆生的「鏡子」呼應了攝影技術本身的移動性、知識／科學生產，以及殖民的視覺控制技術。從19世紀的台灣影像到日治時期當權者對攝影技術的控制，皆回應了湯姆生在自述裡透露的視覺慾望與殖民性的觀看關係。

此次展覽一共展出國家攝影文化中心典藏的1869～1949年間600多幀早期珍貴的台灣影像，也委託了9位當代藝術家以不同的「藝術研究」計畫介入，回應台灣早期攝影史的脈絡並作為展覽語意脈絡的補充，聯繫不可窮盡的多元歷史書寫的可能。在展示方面，本展以蒙太奇的並置呈現台灣攝影百年間高密度壓縮、共時歷史的狀態。這種展示方式也是一種攝影史書寫策略，包含對於知識系統的反觀、技術的個人化、以及對於權力主體的質疑與抗議。此展嘗試重新檢視全球性的攝影技術與藝術所開展的政治、文化與社會的歷史成因，具體呈現出往返於鏡內、鏡外的「全像」與「潛像」，並迎向主體凝視之間所瞥見的「台灣」攝影。

導覽人簡介

│黃建亮│

是導演，是新聞攝影師。執導為人熟知的電影《燃燒吧！歐吉桑》、Discovery頻道「聚焦台灣」系列，曾任《紐約時報》駐台攝影師，並且成立亮相館，關於攝影有獨到見解。

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